Museion

monografia Lucia Marcucci

Monografie: Lucia Marcucci Tutto qui?

0 Comments

Museion und Ar/Ge Kunst präsentieren unter dem Titel Lucia Marcucci. Tutto qui? die erste Monografie, die der vielseitigen italienischen Künstlerin Lucia Marcucci (Florenz, 1933) gewidmet ist. Der bei bruno (Venedig) erscheinende Band geht hervor aus zwei Ausstellungen des Jahres 2023 – Lucia Marcucci. Poesie e no im Museion und L’Offesa in der Ar/Ge Kunst – und ist das Ergebnis eines gemeinsamen Forschungsprojekts beider Einrichtungen.

Die Publikation wurde erstellt mit Unterstützung der Direzione Generale Creatività Contemporanea des Ministero della Cultura im Rahmen des Italian Council (XIII. Ausgabe, 2024). Begleitet wird ihr Erscheinen von einer internationalen Buchtour, die zwischen November 2025 und Juni 2026 durch Italien und Europa führt: vom Centro Pecci in Prato über den Palazzo Butera in Palermo, das MART in Rovereto und die Université de Liège bis hin zur University of Sussex in Brighton und dem CAP – Centre d’art contemporain de Saint-Fons.

Textbeiträge von neun Autorinnen und Autoren – Claudia Crocco, Gilda Policastro, Francesco Tenaglia, Maria Alicata, Annalisa Sacchi, Giulia Crispiani, Dalila Colucci, Vanessa Desclaux und Raffaella Perna – eröffnen vielstimmige Lesarten zum multidisziplinären Werk der Künstlerin, die eine Schlüsselfigur der italienischen Visuellen Poesie darstellt. Die Dominanz weiblicher Stimmen unterstreicht das Anliegen Marcuccis, in der Konsumgesellschaft der Nachkriegszeit verbreitete Stereotype infrage zu stellen, die unter anderem zur Objektivierung des weiblichen Körpers führten. Die Verwendung von Ironie als einem Mittel zur Anprangerung imperialistischer Politik und missbräuchlicher Praktiken hat ganze Generationen von Wissenschaftlerinnen und Kuratorinnen grundlegend geprägt.

Lucia Marcucci. Tutto qui? greift die wichtigsten, in den beiden Ausstellungen von 2023 hervorgetretenen Themen auf. Vertiefend wirken Schwerpunktsetzungen, die Ausdrucksweisen der Visuellen Poesie im Bereich von Literatur, Film, Performance und Gesellschaft nachspüren. Jedes Kapitel wird eingeleitet mit teils noch unveröffentlichten Texten der Künstlerin selbst, gefolgt von kritischen Essays, die ihre politische Relevanz und Aktualität beleuchten.

Als Dichterin, bildende Künstlerin und experimentelle Performerin hat Lucia Marcucci aus dem Wort ein lebendiges Material gemacht, das es neu zusammenzusetzen und zu deuten gilt. In ihrem Schaffen verschmelzen Sprache, Körper, Film, grafische Gestaltung und Performance in einer kontinuierlichen Überschreitung von Gattungs- und Mediengrenzen, die aktuelle Bestrebungen zur Mischung von Ausdruckssprachen vielfach vorwegnimmt.

Das Buch vereint erstmals Originaltexte und bislang unveröffentlichte Werke der Künstlerin. Es ist Resultat langjähriger, in Zusammenarbeit mit ihrer Familie durchgeführter Archivrecherchen.

Mit Unterstützung des Italian Council möchte die Publikation die gewonnenen Erkenntnisse zu Marcuccis Schaffen international zugänglich machen und den Dialog zwischen der italienischen und der europäischen verbo-visuellen Forschung stärken. Jede Etappe der Buchtour bietet somit Gelegenheit, eine andere Facette ihrer künstlerischen Praxis zu erkunden – von der Beziehung zwischen Dichtung und Bild über die filmische Ausdrucksform bis hin zur Performance als einer politischen und kollektiven Geste.

Internationale Präsentationstour mit den Kuratorinnen des Projekts, Frida Carazzato und Francesca Verga:

7. November 2025 – Centro Pecci, Prato
Buchpräsentation mit Claudia Crocco, Wissenschaftlerin auf dem Gebiet der italienischen Dichtkunst und Literatur, sowie mit den Kuratorinnen Frida Carazzato und Francesca Verga im Rahmen des Centro Pecci Books Festival 2025 – IV. Ausgabe

18. Dezember 2025 – Palazzo Butera, Palermo
Buchpräsentation mit Gilda Policastro, Schriftstellerin und Literaturkritikerin

20. Januar 2026 – MART, Rovereto
Buchpräsentation mit Duccio Dogheria, Leiter des Archivs des 20. Jahrhunderts am Mart

2. März 2026 – Université de Liège, Lüttich
Buchpräsentation mit Maria Elena Minuto und Michel Delville, Dozent*innen an der Université de Liège

Mai 2026 (Datum noch nicht bekannt) – University of Sussex, Brighton
„Feminist Resonances between Word and Image: Reading Art in the long 1970s“ mit Karen di Franco, Kuratorin und Schriftstellerin, sowie Francesco Ventrella, Kunsthistoriker und Dozent an der University of Sussex

3.–5. Juni 2026 – CAP Centre d’art contemporain, Saint-Fons (Lyon)
Präsentation und Performance mit Annamaria Ajmone und Laura Agnusdei

11. Juni 2026 – Museion, Bozen
Präsentation des Buches und Abschluss der Tour

Exhibition for the Monkeys, 1992

Museion Bozen – Shimabuku. Me, We

0 Comments

Von 6. Mai bis 3. September 2023 präsentiert das Museion die bisher größte Ausstellung von Shimabuku (*1969, Kobe, Japan) in Europa und zugleich seine erste Einzelausstellung in einem italienischen Museum.

Shimabukus interdisziplinäre Kunst bietet einen feinsinnigen, neugierigen und humorvollen Zugang zur Welt. Seine Werke entstehen in persönlichen Momenten der Verwunderung oder des Staunens, beginnen mit einer Idee, einer ersehnten Begegnung, einem Gedicht. Durch Interaktion mit der Umgebung, bei der der Künstler seinen innersten Gedanken Ausdruck verleiht, werden diese intimen Momente zugänglich, werden als fotografische, filmische und skulpturale Reflektionen im Ausstellungsraum zu öffentlichen Statements. So gelingt es Shimabuku etwa, Verwandtschaftsbeziehungen zwischen Tieren, Landschaften, Geschichte, Ideen und Menschen zu entdecken, Ähnlichkeiten und Spiegelungen im fließenden Übergang.

Die Ausstellung trägt den Titel Shimabuku. Me, We, der direkt von einem Zitat des weltberühmten Boxers Muhammad Ali inspiriert ist, das manche für das kürzeste Gedicht der Welt halten, und das als eine Grunddefinition dessen gelten kann, was man Beziehung nennt: Me, We, Ich, Wir.

Auf den zwei obersten Etagen des Museion wird eine große Bandbreite des Werks von den frühen 1990ern bis heute gezeigt, darunter auch Arbeiten, die eigens für die aktuelle Ausstellung gemacht wurden. Im dritten Stockwerk findet ein retrospektiver „flow of episodes“ ganz ohne lineare Zeiteinteilung statt, während es im vierten Stock zu einer thematischen Verbindung von älteren und neueren Werken kommt. Dabei ist die Verschränkung unterschiedlicher Kategorien wichtig: Objekte, Tiere, Früchte, Geschichte und internationale Geografien. Shimabukus Ästhetik verunklart kategoriale Grenzen und erzeugt dabei den Effekt, dass Umrisse schärfer werden, wie unter die Lupe genommen. Bei Shimabuku gibt es kein Gegensatz zwischen Innen und Außen, stattdessen fokussiert er auf die Interaktion der unterschiedlichen Bereiche.

Ein Highlight der Ausstellung ist die große skulpturale Installation Me, We (2023), produziert in Zusammenarbeit mit der Bozener Fondazione Antonio Dalle Nogare sowie dem früheren Montecatini-Unternehmen (ehemals Solland Silicon) in Meran. Sie besteht aus Baumaterialien aus dem Mauracherhof und der früheren Montecatini- respektive Solland-Silicion-Fabrik. In dieser Installation bringt der Künstler die Gebäude – eines wird gerade abgerissen und das andere von Grund auf saniert – und ihre unterschiedlichen kulturellen Hintergründe zusammen. Der Mauracherhof wurde 1278 gebaut, während die ehemalige Montecatini-Fabrik aus der Zeit der Italianisierung in den 1920ern stammt. In Me, We (2023) verwebt der Künstler die grundverschiedenen Geschichten zu einem Kunstwerk mit Zukunft und schafft einen neuen gemeinschaftlichen Bedeutungszusammenhang.

Ein weiteres neues Werk in der Ausstellung ist Bed Peace (2023): eine Bett-Skulptur mit zwei nebeneinander liegenden Figuren, hergestellt mit Erde aus mehreren unterschiedlichen Tälern Südtirols.

Zudem hat der Künstler exklusiv für die Ausstellung eine Edition entworfen, eine Kollaboration mit Mutina, dem allseits bekannten, auf hochwertige Designer-Keramik spezialisierten Unternehmen. Die Edition ist Teil des Programms ‚Mutina for Art‘, zur Unterstützung von Künstlern gegründet.

Still from Asad Raza, Ge (Recipe), digital video, 2020

Museion Bozen – Asad Raza: Plot

0 Comments

Das Museion – Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Bozen präsentiert die interdisziplinäre und prozessuale Ausstellung Plot des Künstlers Asad Raza in Zusammenarbeit mit den Architekten BB (Fabrizio Ballabio, Alessandro Bava), der Künstlerin Lydia Ourahmane und der Choreografin Moriah Evans.

Mit Plot erkundet das Museion neues Terrain für experimentelle und kooperative Formen des Ausstellungsmachens. Im Dialog zwischen bildender Kunst, Wissenschaft, Architektur, Tanz und lokalen Akteur*innen mit einem starken Bodenbezug baut das Projekt buchstäblich auf situiertem Wissen auf.

Ausgangspunkt von Razas Ausstellung sind seine ortspezifische Installation Absorption und seine fortlaufende Videoarbeit Ge. Absorption füllt das zweite Obergeschoss im Museion in Zusammenarbeit mit Bodenkundler*innen und einer Bodenkoordinatorin mit mehr als 60 Tonnen künstlichem „Neosoil“ – einer Mischung aus lokalen Inhaltsstoffen und Abfallprodukten wie Lehm, Sand, Traubentrester, Marmorstaub, Kaffeesatz, Asche aus dem Pizzaofen, menschlichem Haar und anderen Substanzen. Dieses „Neosoil“ wird von Kultivator*innen fortwährend vermengt, umgewälzt, ergänzt und fruchtbar gemacht, um es den Besucher*innen zum Mitnehmen und zur Verwendung in ihren Projekten oder Gärten anzubieten.

Häufig bilden Azad Razas Arbeiten die Umgebung für Interventionen anderer Künstler*innen: In Plot überlässt er seine gesamte Szenerie anderen Akteur*innen, die darin ihre eigenen temporären Kapitel entwickeln. Damit durchläuft Absorption mehrere aufeinander folgende Metamorphosen. Das Fundament für den weiteren Handlungsverlauf wird vom ersten Tag der Ausstellung an in der früheren Bibliothek des Museion gelegt. Diese verwandelt sich in ein Depot für die Zutaten des Bodens und in eine Werkstatt, in der „Neosoil“ zu Lehmziegeln geformt wird.

Für das zweite Kapitel erkunden die Architekten BB (Fabrizio Ballabio, Alessandro Bava) und die Künstlerin Lydia Ourahmane mithilfe dieser Ziegel den Prozess einer „Behausung“ der Szenerie. Hierfür bedienen sie sich einer bis heute aktuellen Bautechnik, die ihren Ursprung in Ägypten hat. Mit einem Ziegelmacher konstruieren sie mit diesem nachhaltigen Material den Prototyp einer kleinen Struktur mit Bezug auf verschiedene Zufluchtsorte: von Biwaks in den Bergen über „Sacelli“-Heiligtümer der Renaissance bis hin zu Schutzräumen in der algerischen Wüste.

Im dritten Kapitel wird diese hybride Umgebung zum Schauplatz für das Debüt von Moriah Evans in Italien – realisiert in Zusammenarbeit mit Tanz Bozen. Out of and Into: PLOT ist eine Neukomposition aus zwei bestehenden Arbeiten der Choreografin: ihrem jüngsten Stück Remains Persist (2022), das in unseren Körpern nachhallende Spuren verschiedener Arten von Informationen verfolgt, und ihrem Frühwerk Out of and Into (8/8): STUFF (2012), mit dem sie expressive Stilbilder des “hysterischen” Körpers erkundet. Indem sie Relikte oder das fruchtbare Erbe ihrer eigenen Praxis absorbiert, schöpft sie aus Prozessen des Verfalls und des Wiederauflebens eine neue ortsspezifische Fortsetzung.

Im vierten Kapitel kehrt die Handlung von Plot zu Absorption zurück. Die Lehmziegel werden wieder im „Neosoil“ zersetzt und die Kultivator*innen erscheinen erneut, um die Chemie der Erde in ein furchtbares Gleichgewicht zu bringen. Während dieser Phase der Ausstellung sind die Besucher*innen wieder eingeladen, so viel „Neosoil“ mitzunehmen, wie sie möchten.

Als eine parallele Erzählung entfaltet sich über die gesamte Laufzeit der Ausstellung Razas Videoarbeit Ge, deren Titel sich auf die griechische Erdgöttin Gaia bezieht. Hierin kartografiert Raza verschiedene Biotope der Erde wie in einem poetischen Tagebuch oder einer Meditation. Die erste Strophe dieser fortlaufenden Videoarbeit mit offenem Ende erkundet eine Küstenlandschaft im Umfeld des Landhauses von James Lovelock, der die Erde in seiner Theorie als selbstregulierendes lebendes System beschrieben hat. Die zweite Strophe enthält ein Rezept für die Herstellung künstlicher Erde zuhause. Im Verlauf von Plot wird sich Ge mit neuen Strophen weiterentwickeln, die unter anderem am Eriesee und in der Ruine des Klosters von Hildegard von Bingen spielen.

Im titelgebenden englischen Wort „Plot“, das sowohl für ein Stück Land, einen Grund(riss) oder die Wendungen einer Erzählung stehen kann, klingen bereits die unterschiedlichen konzeptionellen Dimensionen der Ausstellung an. Wie die Handlung eines Romans entwickelt sie sich in mehreren Kapiteln. Jedes kreiert auf seine Weise poetische und sinnliche Begegnungen zwischen natürlichen und künstlichen, lebenden und nicht-lebenden Wesen sowie ein Gefühl der Durchlässigkeit zwischen Körpern, Architektur und Landschaft.

In einem Epilog wird das verbliebene und in die Museion Passage gebrachte Neosoil während der Langen Nacht der Museen am 8. September verschenkt – als Satgut für neue Landschaften und Fortsetzungen.

David Medalla, Night Blooming Flower, 1998, exhibition view David Medalla. Paralbles of Friendship, Museion, 2022, crediti Luca Guadagnin

Museion Bozen – David Medalla: Parables of Friendship

0 Comments

David Medalla: Parables of Friendship ist die erste große internationale Ausstellung, die dem Werk des philippinischen Künstlers, Dichters und Aktivisten David Medalla seit dessen unerwarteten Tod im Dezember 2020 gewidmet ist. Die vom Museion gemeinsam mit dem Bonner Kunstverein (18. September 2021 – 30. Januar 2022) sowie in enger Zusammenarbeit mit dem David Medalla Archiv in Berlin realisierte Ausstellung erzählt vom Vermächtnis, dem Geist, der Energie und der Radikalität seines Werks.

Zeichnungen, Malerei, Collagen, Skulpturen, Neonarbeiten, kinetische Kunst, Performances und partizipative Kunst aus einem mehr als siebzig Jahre umfassenden zeitlichen Schaffensraum: Neben wichtigen Leihgaben und neuen Auftragswerken zeigt das Museion viele unveröffentlichte Arbeiten und einige fragile und für diesen Anlass restaurierte Exponate, die zum ersten Mal der Öffentlichkeit in einer  – von Steven Cairns und Fatima Hellberg kuratierten und vom Michael Kleine gestalteten – Ausstellung präsentiert werden, die für die Erforschung des Lebenswerks dieses bedeutenden und vielseitigen Künstlers ein Meilenstein zu werden verspricht.

Medallas Werk ist durch absolute Offenheit und Freiheit des Ausdrucks gekennzeichnet und erkundet die Möglichkeit des Austauschs und der Überlagerung von Kunst und Leben indem die großen Themen der Gegenwart wie Ökologie, kulturelle Identität, Sexualität und Arbeitsethik jenseits eines gesellschaftlichen vorgegebenen Schubladendenkens miteinander verknüpft werden. Als Dandy und Reisender lebte Medalla, der schon in den 1960er Jahren von Manila kommend in Marseille angekommen war, in London, Paris, Venedig, Berlin und New York sowie wieder in Manila, wohin er mit der Erfahrung des Reisens und des Wandels in seiner oftmals vergänglichen Arbeit mit vor Ort aufgefundenen Materialien – ein weiterer Beleg für den von Freiheit geprägten Charakter seiner Arbeitsweise – zurückkehrte.

Stark beeinflusst von der europäischen Kunst und Literatur des 19. und 20. Jahrhunderts und als aktive Figur im „Swinging London“ war Medalla in der kurzlebigen, aber wegweisenden Londoner Signals Gallery (1962–64) ebenso prägend wie im experimentellen Performancekollektiv The Exploding Galaxy (1967–68) und in der politisch engagierten Gruppe der Artists for Democracy, deren Präsident er war (1974-1977). Mit dem Künstler Adam Nankervis (1994) gründete er The Mondrian Fan Club und die London Biennale (2000), wo Prozesse der Zusammenarbeit und des Austauschs weiterhin eine zentrale Bedeutung einnahmen.

Wie im Titel angedeutet erfasst Parables of Friendship soziales Engagement und Transzendenz und damit die zwei wichtigsten Merkmale in Medallas Arbeit: Die Vielfalt seiner rastlosen Produktion und seine unaufhörliche Suche nach Anknüpfungspunkten offenbaren die Suche „nach der Einheit des Ganzen“ durch die Auseinandersetzung mit Unterschieden und ein zutiefst erfahrungsbasiertes und experimentelles Verhältnis zum Sein. In seinem Werk spiegeln sich Paradoxa und Traumata als Bestandteile kultureller Identität – einer Identität, die für ihn ein multitemporaler und multidirektionaler Prozess bleibt.